Biennale von Venedig 2026 eröffnet: In Minor Keys und was uns 130 Jahre Ausstellungen über Kunst lehren, die schließlich auf einem Dachboden landet

Am Samstag, dem 9. Mai 2026, eröffnet die 61. Ausgabe der Biennale von Venedig, mit Vorschauen für Presse- und Fachbesucher ab dem 6. Mai. Bis zum 22. November wird erwartet, dass die weltweit größte internationale Kunstveranstaltung zwischen 500,000 und 800,000 Besucher in die Giardini und das Arsenale zieht.

Für eine belgische Plattform zur Authentifizierung von Antiquitäten und Kunst ist dies keine ferne Nachricht. Die Biennale ist zusammen mit der älteren Tradition des Pariser Salons der Mechanismus, durch den die Kunstwelt seit Jahrhunderten entscheidet, welche Maler, Bildhauer und Grafiker in hundert Jahren noch bekannt sein werden. Was in Venedig hängt, bewegt zwei Jahre lang Preise, Reputation und Sammlungen. Und ein Bruchteil davon, oft in Form signierter Lithografien oder kleinerer Arbeiten auf Papier, landet schließlich in einem belgischen Wohnzimmer, auf einem Dachboden, in einer Kiste, die niemand mehr geöffnet hat, seit eine Tante sie vor zehn Jahren hinterließ.

Dieser Artikel handelt von dieser Brücke. Zwischen der Bühne Venedigs und den stillen Ecken Ihres eigenen Hauses.

Die Biennale von Venedig: ein Jahrhundert und drei Jahrzehnte alt

Die erste Biennale eröffnete 1895, organisiert von der Stadt Venedig als Hommage an das silberne Thronjubiläum von König Umberto I. von Italien. Der Anspruch war groß. Venedig wollte sich als Hauptstadt der modernen Kunst positionieren, zu einer Zeit, als moderne Museen, wie wir sie heute kennen, kaum existierten. Das Museum of Modern Art in New York sollte erst 1929 eröffnen, das Centre Pompidou 1977. Venedig war dreißig bis achtzig Jahre voraus.

1895 umfasste die Ausstellung 285 Kunstwerke und zog rund 200,000 Besucher an, eine beispiellose Anziehungskraft für eine Stadt dieser Größe. Die Biennale wurde rasch zu einem festen Termin, mit späteren Erweiterungen um Architektur, Tanz, Theater, Musik und Film. Heute ist die Biennale Arte die Mutter aller Kunstbiennalen weltweit. São Paulo, Whitney, Documenta, Manifesta, alle haben ihr Modell in dem gefunden, was Venedig tat.

Die Biennale wurde 1895 als zweijährlicher Termin eingerichtet, doch zwei Weltkriege unterbrachen den Zyklus. Die Ausgaben von 1916 und 1918 wurden wegen des Ersten Weltkriegs abgesagt. Die Ausgaben von 1944 und 1946 wegen des Zweiten Weltkriegs, wobei die nächste Ausgabe erst 1948 wieder stattfand. Zudem erhielt die Ausstellung von 1974, die nach dem Pinochet-Putsch in Solidarität mit Chile organisiert wurde, keine offizielle Editionsnummer. Daher markiert 2026 die 61. Ausgabe in 131 Jahren Geschichte.

130 Jahre Ausstellungen ergeben etwas Besonderes: ein fortlaufendes Archiv darüber, wer zu einem bestimmten Zeitpunkt der Geschichte als wichtig galt. James Ensor stellte 1900 und 1907 in Venedig aus. Constant Permeke nahm 1922, 1932 und 1934 teil, mit einer großen Retrospektive 1948. Marc Chagall, Henry Moore, Joan Miró, Alexander Calder, sie alle wurden in der Nachkriegszeit in Venedig gefeiert, oft mit einem Goldenen Löwen, der ihre internationale Reputation endgültig festigte.

Der Goldene Löwe ist die wichtigste Auszeichnung der zeitgenössischen Kunst. Zwei Kategorien haben besonderes Gewicht: der Goldene Löwe für den besten Pavillon und der Goldene Löwe für den besten Künstler der zentralen Ausstellung. Wer einen gewinnt, erlebt innerhalb von 24 Stunden einen Aufmerksamkeitswandel. Für einen lebenden Künstler bedeutet dies oft, dass sich die Preise für seine oder ihre Arbeiten innerhalb eines Jahres verdoppeln oder verfünffachen.

Für 2026 hat sich dieser Ablauf ausnahmsweise geändert. Am 30. April 2026 trat die internationale Jury der 61. Ausgabe eine Woche vor der Eröffnung geschlossen zurück, nachdem es Meinungsverschiedenheiten über die Behandlung von Pavillons von Ländern gegeben hatte, deren Staatsführer Gegenstand von Anklagen des Internationalen Strafgerichtshofs sind. La Biennale di Venezia hat beschlossen, für diese Ausgabe die klassischen Jurypreise nicht zu vergeben. Stattdessen wird es eine öffentliche Abstimmung geben, die sogenannten “Visitors’ Lions”, deren Ergebnis am Sonntag, dem 22. November 2026, dem Schlusstag, bekannt gegeben wird. Das traditionelle Jurysystem soll voraussichtlich ab 2028 zurückkehren.

Die Salontradition: älter als Venedig

Im Vergleich zu dem, was ihr vorausging, ist die Biennale jung. Die moderne Ausstellung hat ihre Grundlage in Paris, wo 1648 die Académie Royale de Peinture et de Sculpture gegründet wurde. Die Akademie veranstaltete 1667 ihre erste öffentliche Ausstellung im Louvre, im Salon Carré. Daher stammt das Wort “Salon”, das wir noch heute verwenden.

Der Pariser Salon fand ab dem achtzehnten Jahrhundert jährlich statt und stellte bis in die 1880er Jahre das gewichtigste Urteil der Kunstwelt dar. Wer zugelassen wurde, konnte von seiner Arbeit leben. Wer abgelehnt wurde, kämpfte um sein Brot.

1863 lehnte die Salonjury so viele Werke ab, dass Kaiser Napoleon III. eine separate Ausstellung für die abgelehnten Künstler veranstalten ließ: den Salon des Refusés. Dort hing unter anderem Édouard Manets Déjeuner sur l’herbe. Der folgende Skandal erwies sich rückblickend als Wendepunkt der modernen Kunstgeschichte. Aus dieser Ablehnung entstanden in den folgenden Jahrzehnten alternative Ausstellungsorte: 1884 der Salon des Indépendants, wo Seurat, Signac, Cézanne und Van Gogh ausstellten. 1903 der Salon d’Automne, wo die Fauves ihren Durchbruch erzielten.

Zwischen der Gründung des Salons in Paris und der ersten Biennale in Venedig liegen also 228 Jahre. Eine jahrhundertelange Kette öffentlicher Ausstellungen, die die Kunstwelt schrittweise modernisierte. Jeder dieser Salons und Biennalen brachte Tausende Künstler auf die Bühne, die inzwischen weitgehend aus dem kollektiven Gedächtnis verschwunden sind, deren Arbeiten aber weiterhin zirkulieren. In Museen, in Privatsammlungen und, im zugänglichen Segment, auch auf Dachböden.

Belgiens Platz in dieser Geschichte

Belgien ist seit der allerersten Ausgabe 1895 auf der Biennale vertreten. Der belgische Pavillon in den Giardini steht dort seit 1907 und ist damit einer der ältesten permanenten Pavillons auf dem Gelände. Durch die belgische Teilnahme kamen zahlreiche Künstler unseres Landes auf die venezianische Bühne, die heute Teil des belgischen Kanons sind: Théo Van Rysselberghe, James Ensor, Constant Permeke, Léon Spilliaert, Rik Wouters und in späteren Jahrzehnten Pierre Alechinsky, Marcel Broodthaers, Jan Fabre, Luc Tuymans und Michaël Borremans.

Diese Kontinuität ist wichtig. Sie bedeutet, dass ein Belgier, der heute in einem Familienhaus ein Werk eines Künstlers etwa aus der Zwischenkriegszeit findet, eine berechtigte Chance hat, dass der Künstler einst auf der Biennale vertreten war. Nicht unbedingt in der zentralen Ausstellung, aber im belgischen Pavillon, in einem anderen nationalen Pavillon oder in einer der Nebenausstellungen, die stets rund um die Biennale organisiert werden.

Auch belgische Sammler und Kenner haben eine lange Tradition von Biennale-Ankäufen. Mehrere bedeutende Privatsammlungen unseres Landes wurden durch Besuche der Vorschautage der Biennale aufgebaut, als Werke für das offizielle Publikum freigegeben wurden. Was diese Sammler in den 1960er und 1970er Jahren in Venedig kauften, ging eine Generation später an Erben über, die manchmal wussten und manchmal nicht wussten, wie sie es einordnen sollten. Darin liegt ein Teil der Antwort auf die Frage, warum in einem gewöhnlichen belgischen Wohnzimmer plötzlich ein signierter Calder oder Miró an der Wand hängt.

In Minor Keys: das Thema von 2026

Die 61. Ausgabe der Biennale trägt den Titel “In Minor Keys”, eine Wahl der Kuratorin Koyo Kouoh. Kouoh, ursprünglich aus Kamerun, war Direktorin des Zeitz Museum of Contemporary Art Africa in Kapstadt. Sie war für ihre Arbeit mit afrikanischen und diasporischen Künstlern bekannt und wäre die erste afrikanische Kuratorin der zentralen Ausstellung der Biennale gewesen.

Im Oktober 2024 wurde sie von La Biennale di Venezia ernannt. Am 10. Mai 2025 starb sie unerwartet, ein Jahr vor der Eröffnung, die sie vorbereitete. Mit Zustimmung ihrer Familie und des kuratorischen Teams hat die Biennale beschlossen, ihre Pläne unverändert umzusetzen. Das Thema “In Minor Keys” wird so zu einer posthumen Hommage.

Das Thema selbst ist eine Aussage. Kouoh entscheidet sich bewusst nicht für das Laute oder Spektakuläre. Sie setzt sich für Aufmerksamkeit für das Sanfte, das Untergründige, das Unvollendete ein. Für Künstler, die in Molltonarten arbeiten, die nicht um Aufmerksamkeit schreien, deren Werk aber gerade durch diesen zurückhaltenden Ton etwas Bleibendes berührt.

Der Geist des Themas berührt etwas Grundlegendes. Die meisten bedeutenden Werke sind im Moment ihrer Entstehung nicht laut. Sie werden es später.

Was ein Kurator tut, was der Markt nicht tut

Die grundlegende Macht der Biennale und damit jeder großen kuratorischen Ausstellung ist die Übertragung von Autorität. Ein Werk, das in Venedig hängt, wird von Spezialisten auf der ganzen Welt gesehen. Der Kurator wählt aus. Das Publikum diskutiert. Kritiken folgen. Der Markt beobachtet, mit gezückter Brieftasche.

Ein Werk, das in Venedig hängt und 2027 bei Sotheby’s für 80,000 Euro verkauft wird, erhält nach dem ersten Verkauf eine zweite Schicht Autorität: Marktautorität. Doch die kuratorische Autorität kam zuerst, und sie ist beständiger.

Für Menschen, die Kunst kaufen, erben oder finden, ist diese Nuance entscheidend. Preis ist nicht dasselbe wie Autorität. Ein Werk kann teuer sein, weil es modisch ist. Ein Werk kann günstig sein, weil der Markt noch nicht nachgezogen hat. Oder weil der Künstler noch nicht in eine bedeutende Ausstellung aufgenommen wurde. Oder weil die Provenienz nicht ausreichend dokumentiert ist.

Diese Unterscheidung zu treffen, ist die stille Disziplin des Spezialisten. In einem früheren Blog haben wir den Unterschied zwischen Schätzwert und Marktwert von Antiquitäten erläutert, für alle, die mehr darüber verstehen möchten, wie Wert jenseits der Aufmerksamkeit von Kuratoren entsteht.

Zwei Geschichten von Venedig in ein belgisches Wohnzimmer

So viel zur Geschichte. Nun zum konkreten Teil. Wie gelangt ein Werk, das einst in Venedig hing, zu gewöhnlichen belgischen Familien?

Das Muster ist fast immer gleich. Die Originalgemälde und Skulpturen von Biennale-Veteranen befinden sich längst in Museen, in geschützten Privatsammlungen oder in den Händen einiger weniger europäischer Familien, wo sie seit Generationen bewahrt werden. Was auf Dachböden und in Erbschaften zirkuliert, sind hauptsächlich Drucke, Lithografien, Radierungen, kleinere Arbeiten auf Papier und signierte Editionen. Dort liegt das eigentliche Entdeckungspotenzial.

Zwei Geschichten helfen zu verstehen, wie dies funktioniert.

Die Permeke-Geschichte

Constant Permeke nahm 1922, 1932 und 1934 an der Biennale teil. 1948 erhielt er in Venedig eine große Retrospektive, die seine internationale Reputation bestätigte. Zugleich schuf Permeke ab den 1930er Jahren auch Holzschnitte und Lithografien, oft in limitierten Auflagen von 50 bis 200 Exemplaren, mit Bleistift signiert und nummeriert.

Ein solcher Holzschnitt aus einer Auflage von 100 wurde in den 1950er und 1960er Jahren über flämische Galerien, Auktionen und Kunstfreundevereinigungen verkauft. Ein großer Teil dieser Auflagen ging nach dem Tod der ursprünglichen Käufer in den 1980er und 1990er Jahren an Kinder und Enkel über, oft ohne dass die Erben genau wussten, was sie besaßen.

Heute erscheinen diese Stücke noch regelmäßig auf Flohmärkten in West- und Ostflandern. Ein signierter Permeke-Holzschnitt in gutem Zustand liegt typischerweise zwischen 400 und 2,500 Euro, abhängig von Motiv und Auflage. Die Originalgemälde liegen zwischen 5,000 und 100,000 Euro oder mehr.

Die Chagall-Geschichte

Marc Chagall stellte mehrmals auf der Biennale aus. Ab den 1950er Jahren arbeitete er intensiv mit dem Pariser Verleger Aimé Maeght und dem Drucker Mourlot zusammen. Dort entstanden die Lithografien, die wir heute als die “klassischen” Chagalls kennen: die Zirkusserie, die biblischen Geschichten, die jährlichen Plakate für die Ausstellungen bei Maeght. Auflagen zwischen 50 und 250 Exemplaren, mit Bleistift signiert, mit einem Blindstempel von Maeght oder Mourlot.

In den 1960er und 1970er Jahren hatten mehrere belgische Galerien Abonnements für diese Editionen. Vandenberghe in Brügge, Patrick Derom in Brüssel, kleinere regionale Galerien in Antwerpen und Gent. Gegen eine feste Jahresgebühr erhielt ein Abonnent ein bis drei signierte Lithografien pro Jahr, gerahmt.

Diese Gewohnheit ist nach den 1980er Jahren weitgehend verschwunden. Doch die Lithografien blieben. Sie hängen heute in Fluren, Wohnzimmern und Schlafzimmern von Kindern, die sie von ihren Eltern geerbt haben. Eine signierte, nummerierte Chagall-Lithografie aus einer solchen Edition liegt heute zwischen 1,500 und 6,000 Euro, abhängig von Motiv und Auflage.

Weitere Namen, kurz erwähnt

Neben Permeke und Chagall könnten sich auf Ihrem möglichen Dachboden auch befinden: James Ensor (Radierungen, 1,500 bis 8,000 Euro), Léon Spilliaert (Aquarelle und Zeichnungen, deren Preise in den letzten Jahren stark gestiegen sind), Pierre Alechinsky (Lithografien und Siebdrucke, 600 bis 4,000 Euro), Joan Miró (Lithografien über Maeght, 800 bis 4,500 Euro), Alexander Calder (Lithografien mit den typischen Primärfarbfeldern, 1,200 bis 5,000 Euro), Henry Moore (Radierungen und Lithografien, 800 bis 4,000 Euro). Und außerdem die Salon-Veteranen, denen wir oben begegnet sind: Signac, Cézanne und Van Gogh haben alle Arbeiten auf Papier hinterlassen, die noch zirkulieren, wenn auch seltener und teurer als die Lithografiemacher der Nachkriegszeit.

Wie Sie erkennen, was Sie besitzen

Nehmen wir an, Sie schauen nach der Lektüre dieses Artikels in Ihren Flur oder auf Ihren Dachboden und denken: Vielleicht hängt dort etwas Ähnliches. Was sollten Sie tun?

Drei Merkmale machen den Unterschied zwischen einer wertlosen Reproduktion und einer signierten Edition aus.

• Die Signatur. Eine signierte Lithografie trägt eine handgeschriebene Signatur des Künstlers in Bleistift, meist unten rechts. Nicht gedruckt. Eine Bleistiftsignatur ist immer leicht unregelmäßig und besitzt den typischen Glanz von Graphit. Eine gedruckte Signatur ist flach und gleichmäßig.
• Die Editionsnummer. Unten links befindet sich gewöhnlich ein Bruch wie 47/100 oder 23/250. Das bedeutet, dass dieses konkrete Exemplar das 47. einer Auflage von 100 ist. Niedrigere Auflagennummern sind wertvoller. Manche Editionen haben gesonderte Bezeichnungen wie “EA” (Épreuve d’Artiste, Künstlerabzug), “HC” (Hors Commerce, nicht zum Verkauf) oder römische Ziffern I/X (die ersten zehn Probedrucke).
• Der Blindstempel. Viele Galerien und Verleger brachten einen geprägten Blindstempel am Rand des Papiers an. Maeght (Paris, für Miró und Chagall), Mourlot (Paris, Drucker von Picasso, Chagall und Miró), Galerie Vandenberghe (Brügge), Patrick Derom (Brüssel). Ein Blindstempel erhöht die Zuverlässigkeit einer Edition erheblich.

Was Sie vorzugsweise nicht tun: das Werk ohne die richtigen Werkzeuge aus dem Rahmen nehmen, um die Rückseite zu untersuchen. Alte Papierarbeiten sind empfindlich, besonders an den Rändern. Machen Sie lieber Fotos der Vorderseite, eine Nahaufnahme der Signatur, eine Nahaufnahme der Editionsnummer und, wenn möglich, ein Foto des Werks aus einiger Entfernung in seinem Rahmen. Das reicht für eine erste Einschätzung.

Für Menschen, die etwas erben, statt etwas zu finden, ist der gesamte Prozess etwas anders. Eine gute Einführung dazu ist Antiquitäten erben: erste Schritte.

Was AntiqBot tut, wenn Sie ein Werk zu Hause in den Händen halten

AntiqBot ist kein Ersatz für einen Kurator oder einen spezialisierten Gutachter. Es ist ein erster Filter. Sie laden Fotos eines Werks hoch, und das System schlägt eine Zuordnung mit einer begründeten Vertrauensbewertung sowie einer Wertspanne auf Basis vergleichbarer Verkäufe vor.

Was das System nicht tut und bewusst nicht tut, ist ein rechtlich belastbares Authentizitätsurteil abzugeben. Die Authentifizierung bleibt menschliche Arbeit, oft mit physischer Begutachtung, Papieranalyse, Signaturvergleich mit dem catalogue raisonné und manchmal sogar UV- oder Infrarotfotografie des Werks.

Doch für die erste Frage, die Frage, ob es sich überhaupt lohnt, dies weiter zu untersuchen, gab es lange keinen guten Zwischenschritt. Dort setzt AntiqBot an.

In dieser Hinsicht passt auch der Geist von In Minor Keys zu dieser Arbeit. Nicht jede Kunst ist laut. Nicht jede Aufmerksamkeit ist verdient. Manchmal liegt das wichtigste Werk still in einer Ecke, in einer Kiste, in einer vergessenen Erbschaft. Eine erste richtige Einschätzung ist dort der Schlüssel.

Genießen Sie die Kunst

Zum Schluss noch dies. Wir schreiben diesen Artikel aus einem doppelten Motiv.

Das eine ist beruflich. AntiqBot existiert, um Menschen dabei zu helfen, zu entdecken, was sie zu Hause haben. Doch das andere Motiv ist persönlicher.

Die Biennale von Venedig 2026 ist ein Ereignis internationalen Ausmaßes mit Hunderten von Künstlern aus Hunderten von Ländern. Die meisten Leser dieses Artikels werden nicht dorthin reisen, und das ist völlig in Ordnung. Aber der Gedanke hat etwas Besonderes, dass in derselben Woche, in der Venedig die Namen der künftigen großen Meister bestimmt, irgendwo in einem belgischen Haus ein Enkel ein Gemälde eines Urgroßelternteils aus dem Keller holt und sich zu fragen beginnt, was es eigentlich ist.

Beide Erfahrungen, so unterschiedlich ihr Umfang auch ist, handeln vom selben: Aufmerksamkeit für etwas, das älter ist als wir selbst, von jemandem geschaffen wurde, der sich die Mühe machte, etwas festzuhalten, und das wir nun in unseren Händen haben.

Genießen Sie die Pavillons, die italienische Sonne, die Tatsache, dass Menschen seit 130 Jahren zusammenkommen, um zu betrachten, was Zeitgenossen schaffen. Genießen Sie, falls Sie im November zufällig dort sind, die Bekanntgabe der Visitors’ Lions und die anschließenden Diskussionen.

Und wenn Sie nach Hause kommen, schauen Sie sich in Ihrem eigenen Haus wirklich um. Das Gemälde, das seit zwanzig Jahren irgendwo hängt, ohne dass Sie es wirklich gesehen haben. Die Kiste auf dem Dachboden, die Sie seit Jahren ausräumen möchten. Die Erbschaft, die noch darauf wartet, dass ihr jemand Aufmerksamkeit schenkt.

Die Wahrscheinlichkeit, dass sich ein Rembrandt darunter befindet, ist gering. Die Wahrscheinlichkeit, dass sich etwas darunter befindet, das einmal auf einer Biennale oder in einem Salon war, ist größer, als Sie denken.

Die 61. Biennale von Venedig, In Minor Keys, läuft vom 9. Mai bis zum 22. November 2026. Genießen Sie die Kunst. Der Rest kommt später.