La Biennale de Venise 2026 ouvre : In Minor Keys, et ce que 130 ans d'expositions nous apprennent sur l'art qui finit un jour dans un grenier

Le samedi 9 mai 2026, la 61e édition de la Biennale de Venise ouvre ses portes, avec des avant-premières pour la presse et les professionnels dès le 6 mai. Jusqu'au 22 novembre, le plus grand événement international d'art au monde devrait attirer entre 500,000 et 800,000 visiteurs dans les Giardini et l'Arsenale.

Pour une plateforme belge d'authentification d'antiquités et d'art, ce n'est pas une actualité lointaine. La Biennale, avec la tradition plus ancienne du Salon parisien, est le mécanisme par lequel le monde de l'art décide depuis des siècles quels peintres, sculpteurs et artistes graphiques seront encore connus dans cent ans. Ce qui est exposé à Venise fait évoluer les prix, les réputations et les collections pendant les deux années qui suivent. Et une fraction de cela, souvent sous la forme de lithographies signées ou de petites œuvres sur papier, finit un jour dans un salon belge, dans un grenier, dans une boîte que personne n'a ouverte depuis qu'une tante l'a laissée il y a dix ans.

Cet article porte sur ce pont. Entre la scène vénitienne et les coins tranquilles de votre propre maison.

La Biennale de Venise : un siècle et trois décennies d'existence

La première Biennale a ouvert en 1895, organisée par la ville de Venise en hommage au jubilé d'argent du roi Umberto I d'Italie. L'ambition était grande. Venise voulait se positionner comme la capitale de l'art moderne, à une époque où les musées modernes tels que nous les connaissons aujourd'hui existaient à peine. Le Museum of Modern Art de New York n'ouvrirait qu'en 1929, le Centre Pompidou en 1977. Venise avait trente à quatre-vingts ans d'avance.

En 1895, l'exposition comptait 285 œuvres d'art et attirait environ 200,000 visiteurs, une affluence sans précédent pour une ville de cette taille. La Biennale est rapidement devenue un rendez-vous fixe, avec des extensions ultérieures à l'architecture, la danse, le théâtre, la musique et le cinéma. Aujourd'hui, la Biennale Arte est la mère de toutes les biennales d'art dans le monde. Sao Paulo, Whitney, Documenta, Manifesta, toutes ont trouvé leur modèle dans ce que Venise a fait.

La Biennale a été créée en 1895 comme rendez-vous biennal, mais deux guerres mondiales ont interrompu le cycle. Les éditions de 1916 et 1918 ont été annulées en raison de la Première Guerre mondiale. Celles de 1944 et 1946 en raison de la Seconde, l'édition suivante ne reprenant qu'en 1948. De plus, l'exposition de 1974, organisée en solidarité avec le Chili après le coup d'État de Pinochet, n'a pas reçu de numéro d'édition officiel. Par conséquent, 2026 marque la 61e édition au cours de 131 ans d'histoire.

130 ans d'expositions produisent quelque chose de particulier : une archive continue de ceux qui étaient considérés comme importants à chaque moment de l'histoire. James Ensor a exposé à Venise en 1900 et 1907. Constant Permeke a participé en 1922, 1932 et 1934, avec une importante rétrospective en 1948. Marc Chagall, Henry Moore, Joan Miró, Alexander Calder, tous ont été célébrés à Venise pendant l'après-guerre, souvent avec un Lion d'or qui a définitivement consolidé leur réputation internationale.

Le Lion d'or est la distinction la plus importante dans l'art contemporain. Deux catégories ont du poids : le Lion d'or du meilleur pavillon et le Lion d'or du meilleur artiste de l'exposition centrale. Quiconque en remporte un voit l'attention se tourner vers lui en 24 heures. Pour un artiste vivant, cela signifie souvent que les prix de ses œuvres doublent ou quintuplent en un an.

Pour 2026, ce calendrier a exceptionnellement changé. Le 30 avril 2026, le jury international de la 61e édition a démissionné collectivement, une semaine avant l'ouverture, après un désaccord sur le traitement des pavillons de pays dont les dirigeants font l'objet d'accusations de la Cour pénale internationale. La Biennale di Venezia a décidé de ne pas attribuer les prix classiques du jury pour cette édition. Il y aura à la place un vote du public, les “Visitors’ Lions”, dont le résultat sera annoncé le dimanche 22 novembre 2026, jour de clôture. Le système traditionnel de jury devrait revenir à partir de 2028.

La tradition du Salon : plus ancienne que Venise

La Biennale est jeune par rapport à ce qui l'a précédée. L'exposition moderne trouve son fondement à Paris, où l'Académie Royale de Peinture et de Sculpture a été fondée en 1648. L'académie a tenu sa première exposition publique en 1667 au Louvre, dans le Salon Carré. C'est de là que vient le mot “Salon” que nous utilisons encore aujourd'hui.

Le Salon de Paris s'est tenu chaque année à partir du XVIIIe siècle et a constitué le verdict le plus lourd dans le monde de l'art jusqu'aux années 1880. Ceux qui étaient admis pouvaient vivre de leur travail. Ceux qui étaient refusés luttaient pour leur subsistance.

En 1863, le jury du Salon a rejeté tant d'œuvres que l'empereur Napoléon III a fait organiser une exposition séparée pour les artistes refusés : le Salon des Refusés. On y trouvait notamment le Déjeuner sur l’herbe d'Édouard Manet. Le scandale qui s'ensuivit s'est révélé, avec le recul, être un moment charnière de l'histoire de l'art moderne. De ce refus sont nés les lieux alternatifs des décennies suivantes : le Salon des Indépendants en 1884, où Seurat, Signac, Cézanne et Van Gogh ont exposé. Le Salon d’Automne en 1903, où les Fauves ont percé.

Entre la fondation du Salon de Paris et la première Biennale de Venise s'étendent donc 228 ans. Une chaîne séculaire d'expositions publiques qui a progressivement modernisé le monde de l'art. Chacun de ces salons et biennales a mis en lumière des milliers d'artistes qui ont depuis largement disparu de la mémoire collective, mais dont l'œuvre continue de circuler. Dans les musées, dans les collections privées et, pour le segment accessible, aussi dans les greniers.

La place de la Belgique dans cette histoire

La Belgique est présente à la Biennale depuis la toute première édition en 1895. Le pavillon belge dans les Giardini s'y trouve depuis 1907, ce qui en fait l'un des plus anciens pavillons permanents du site. Grâce à la participation belge, de nombreux artistes de notre pays sont montés sur la scène vénitienne et font aujourd'hui partie du canon belge : Théo Van Rysselberghe, James Ensor, Constant Permeke, Léon Spilliaert, Rik Wouters, et au cours des décennies suivantes Pierre Alechinsky, Marcel Broodthaers, Jan Fabre, Luc Tuymans et Michaël Borremans.

Cette continuité compte. Elle signifie qu'une personne belge qui trouve aujourd'hui dans une maison familiale une œuvre d'un artiste de, par exemple, l'entre-deux-guerres a de bonnes chances que cet artiste ait un jour été présent à la Biennale. Pas nécessairement dans l'exposition centrale, mais dans le pavillon belge, ou dans un autre pavillon national, ou dans l'une des expositions parallèles toujours organisées autour de la Biennale.

Les collectionneurs et connaisseurs belges ont également une longue tradition d'acquisitions à la Biennale. Plusieurs grandes collections privées de notre pays ont été constituées grâce à la fréquentation des journées d'avant-première de la Biennale, lorsque les œuvres étaient présentées au public officiel. Ce que ces collectionneurs ont acheté à Venise dans les années 1960 et 1970 est passé une génération plus tard à des héritiers qui savaient parfois, et parfois non, comment le situer. Voilà une partie de la réponse à la question de savoir pourquoi un salon belge ordinaire a soudain un Calder ou un Miró signé au mur.

In Minor Keys : le thème de 2026

La 61e édition de la Biennale porte le titre “In Minor Keys”, un choix de la commissaire Koyo Kouoh. Kouoh, originaire du Cameroun, était directrice du Zeitz Museum of Contemporary Art Africa au Cap. Elle était connue pour son travail autour des artistes africains et de la diaspora et aurait été la première femme africaine commissaire de l'exposition centrale de la Biennale.

En octobre 2024, elle a été nommée par La Biennale di Venezia. Le 10 mai 2025, elle est décédée de manière inattendue, un an avant l'ouverture qu'elle préparait. Avec l'accord de sa famille et de l'équipe curatoriale, la Biennale a décidé de réaliser ses projets sans changement. Le thème “In Minor Keys” devient ainsi un hommage posthume.

Le thème lui-même est une déclaration. Kouoh choisit délibérément non pas le bruit ou le spectaculaire. Elle défend l'attention portée au doux, au souterrain, à l'inachevé. Aux artistes qui travaillent dans des tonalités mineures, qui ne crient pas pour attirer l'attention, mais dont le travail, précisément par ce ton retenu, touche quelque chose de durable.

L'esprit du thème touche à quelque chose de fondamental. La plupart des œuvres importantes ne sont pas bruyantes au moment où elles naissent. Elles le deviennent plus tard.

Ce qu'un commissaire fait que le marché ne fait pas

Le pouvoir fondamental de la Biennale, et par extension de toute grande exposition curatoriale, est le transfert d'autorité. Une œuvre accrochée à Venise est vue par des spécialistes du monde entier. Le commissaire sélectionne. Le public discute. Les critiques suivent. Le marché observe, portefeuille prêt.

Une œuvre accrochée à Venise et vendue 80,000 euros chez Sotheby’s en 2027 reçoit, après la première vente, une deuxième couche d'autorité : l'autorité du marché. Mais l'autorité curatoriale est venue en premier, et elle est plus durable.

Pour ceux qui achètent de l'art, en héritent ou en trouvent : cette nuance est essentielle. Le prix n'est pas la même chose que l'autorité. Une œuvre peut être chère parce qu'elle est à la mode. Une œuvre peut être bon marché parce que le marché ne l'a pas encore rattrapée. Ou parce que l'artiste n'a pas encore été inclus dans une exposition importante. Ou parce que la provenance n'a pas été suffisamment documentée.

Faire cette distinction est la discipline discrète du spécialiste. Dans un précédent article de blog, nous avons expliqué la différence entre la valeur d'expertise et la valeur de marché des antiquités, pour ceux qui souhaitent mieux comprendre comment la valeur se forme en dehors de l'attention des commissaires.

Deux histoires de Venise à un salon belge

Assez d'histoire. Passons maintenant à la partie concrète. Comment une œuvre autrefois exposée à Venise se retrouve-t-elle chez des familles belges ordinaires ?

Le schéma est presque toujours le même. Les peintures et sculptures originales des vétérans de la Biennale se trouvent depuis longtemps dans des musées, dans des collections privées protégées ou entre les mains d'une poignée de familles européennes qui les conservent depuis des générations. Ce qui circule dans les greniers et les héritages, ce sont principalement des estampes, lithographies, gravures, petites œuvres sur papier et éditions signées. C'est là que se trouve le véritable potentiel de découverte.

Deux histoires permettent de voir comment cela fonctionne.

L'histoire Permeke

Constant Permeke a participé à la Biennale en 1922, 1932 et 1934. En 1948, il a bénéficié d'une importante rétrospective à Venise qui a confirmé sa réputation internationale. Dans le même temps, à partir des années 1930, Permeke a également produit des gravures sur bois et des lithographies, souvent en éditions limitées de 50 à 200 exemplaires, signés au crayon et numérotés.

Une telle gravure sur bois tirée à 100 exemplaires a été vendue dans les années 1950 et 1960 par l'intermédiaire de galeries flamandes, de ventes aux enchères et d'associations d'amis de l'art. Une grande partie de ces éditions est passée, après le décès des acheteurs originaux dans les années 1980 et 1990, aux enfants et petits-enfants, souvent sans que les héritiers sachent exactement ce qu'ils possédaient.

Aujourd'hui, ces pièces apparaissent encore régulièrement sur les brocantes de Flandre occidentale et orientale. Une gravure sur bois Permeke signée et en bon état se situe généralement entre 400 et 2,500 euros, selon le motif et l'édition. Les peintures originales se situent entre 5,000 et 100,000 euros ou plus.

L'histoire Chagall

Marc Chagall a exposé plusieurs fois à la Biennale. À partir des années 1950, il a travaillé intensivement avec l'éditeur parisien Aimé Maeght et l'imprimeur Mourlot. C'est là qu'ont été créées les lithographies que nous connaissons aujourd'hui comme les Chagall “classiques” : la série du cirque, les récits bibliques, les affiches annuelles des expositions chez Maeght. Des éditions de 50 à 250 exemplaires, signées au crayon, avec un timbre à sec de Maeght ou de Mourlot.

Dans les années 1960 et 1970, plusieurs galeries belges avaient des abonnements à ces éditions. Vandenberghe à Bruges, Patrick Derom à Bruxelles, de plus petites galeries régionales à Anvers et Gand. Moyennant une cotisation annuelle fixe, un abonné recevait une à trois lithographies signées par an, encadrées.

Cette coutume a largement disparu après les années 1980. Mais les lithographies sont restées. Elles sont maintenant accrochées dans des halls, des salons, les chambres d'enfants qui les ont héritées de leurs parents. Une lithographie Chagall signée et numérotée d'une telle édition se situe aujourd'hui entre 1,500 et 6,000 euros, selon le motif et l'édition.

D'autres noms, mentionnés brièvement

Outre Permeke et Chagall, votre éventuel grenier peut également abriter : James Ensor (gravures, 1,500 à 8,000 euros), Léon Spilliaert (aquarelles et dessins, dont les prix ont fortement augmenté ces dernières années), Pierre Alechinsky (lithographies et sérigraphies, 600 à 4,000 euros), Joan Miró (lithographies via Maeght, 800 à 4,500 euros), Alexander Calder (lithographies aux champs de couleurs primaires typiques, 1,200 à 5,000 euros), Henry Moore (gravures et lithographies, 800 à 4,000 euros). Et aussi les vétérans du Salon rencontrés plus haut : Signac, Cézanne et Van Gogh ont tous laissé des œuvres sur papier qui circulent encore, bien que plus rares et plus chères que les lithographes de l'après-guerre.

Comment reconnaître ce que vous avez

Supposons qu'après avoir lu cet article, vous regardiez dans votre hall ou votre grenier et pensiez : peut-être qu'une chose de ce genre y est accrochée. Que devriez-vous faire ?

Trois caractéristiques font la différence entre une reproduction sans valeur et une édition signée.

• La signature. Une lithographie signée porte une signature manuscrite de l'artiste au crayon, généralement en bas à droite. Elle n'est pas imprimée. Une signature au crayon est toujours légèrement irrégulière et présente l'éclat typique du graphite. Une signature imprimée est plate et uniforme.
• Le numéro d'édition. En bas à gauche se trouve généralement une fraction telle que 47/100 ou 23/250. Cela signifie que cet exemplaire précis est le 47e d'une édition de 100. Les tirages plus faibles ont davantage de valeur. Certaines éditions ont des désignations distinctes telles que “EA” (Épreuve d’Artiste), “HC” (Hors Commerce, non destiné à la vente), ou les chiffres romains I/X (les dix premières épreuves).
• Le timbre à sec. De nombreuses galeries et maisons d'édition apposaient un timbre à sec pressé dans la marge du papier. Maeght (Paris, pour Miró et Chagall), Mourlot (Paris, imprimeur de Picasso, Chagall et Miró), Galerie Vandenberghe (Bruges), Patrick Derom (Bruxelles). Un timbre à sec augmente considérablement la fiabilité d'une édition.

Ce que vous ne faites de préférence pas : retirer l'œuvre de son cadre pour examiner le dos sans les bons outils. Les anciennes œuvres sur papier sont fragiles, surtout sur les bords. Prenez plutôt des photos du recto, un gros plan de la signature, un gros plan du numéro d'édition et, si possible, une photo de l'œuvre encadrée prise à distance. Cela suffit pour une première lecture.

Pour ceux qui héritent de quelque chose plutôt que de le trouver, l'ensemble du processus est quelque peu différent. Une bonne introduction à ce sujet est hériter d'antiquités : premières étapes.

Ce qu'AntiqBot fait lorsque vous avez une œuvre entre les mains chez vous

AntiqBot ne remplace pas un commissaire ni un expert spécialisé. C'est un premier filtre. Vous téléchargez des photos d'une œuvre et le système propose une attribution avec un niveau de confiance justifié, ainsi qu'une fourchette de valeur fondée sur des ventes comparables.

Ce que le système ne fait pas, et ne fait délibérément pas, c'est émettre un verdict d'authenticité qui résiste juridiquement. L'authentification reste un travail humain, souvent avec examen physique, analyse du papier, comparaison de la signature avec le catalogue raisonné, et parfois même photographie UV ou infrarouge de l'œuvre.

Mais pour la première question, celle de savoir si cela mérite même d'être étudié davantage, il n'y avait longtemps aucune bonne étape intermédiaire. C'est là qu'intervient AntiqBot.

À cet égard, l'esprit de In Minor Keys correspond aussi à ce travail. Tout l'art n'est pas bruyant. Toute attention n'est pas méritée. Parfois, l'œuvre la plus importante reste silencieuse, dans un coin, dans une boîte, dans un héritage oublié. Une première lecture correcte en est la clé.

Profitez de l'art

Enfin, ceci. Nous écrivons cet article avec une double motivation.

L'une est professionnelle. AntiqBot existe pour aider les personnes à découvrir ce qu'elles ont chez elles. Mais l'autre motivation est plus personnelle.

La Biennale de Venise 2026 est un événement d'envergure internationale, avec des centaines d'artistes venus de centaines de pays. La plupart des lecteurs de cet article ne s'y rendront pas, et cela convient parfaitement. Mais il y a quelque chose de particulier dans l'idée que, la même semaine où Venise calibre les noms des futurs grands maîtres, quelque part dans une maison belge, un petit-enfant sort une peinture d'un arrière-grand-parent de la cave et commence à se demander ce qu'elle est réellement.

Les deux expériences, si différentes soient-elles par leur échelle, portent sur la même chose : l'attention accordée à ce qui est plus ancien que nous, créé par quelqu'un qui a pris la peine de fixer quelque chose, et que nous avons maintenant entre les mains.

Profitez des pavillons, du soleil italien, du fait que depuis 130 ans des personnes se réunissent pour regarder ce que créent leurs contemporains. Profitez, si vous passez par là en novembre, de l'annonce des Visitors’ Lions et des discussions qui suivront.

Et lorsque vous rentrerez chez vous, regardez vraiment autour de vous dans votre propre maison. La peinture qui est accrochée quelque part depuis vingt ans sans que vous l'ayez vraiment vue. La boîte dans le grenier que vous avez envie de vider depuis des années. L'héritage qui attend encore que quelqu'un lui accorde de l'attention.

La probabilité qu'il y ait un Rembrandt parmi ces objets est faible. La probabilité qu'il y ait quelque chose qui a un jour été à une Biennale ou à un Salon est plus grande que vous ne le pensez.

La 61e Biennale de Venise, In Minor Keys, se déroule du 9 mai au 22 novembre 2026. Profitez de l'art. Le reste viendra plus tard.